《石村块：无时间意识的初始语言》

开年大展在纽约Memor Museum 启幕

艺术家石村个展在纽约 Memor Museum 盛大开幕

2026年1月9日傍晚5点，石村块大型当代艺术展 《无时间意识的初始语言》 在纽约上东城大都会历史保护区的Memor Museum 正式开幕。这不仅是一场展览的开启，更是一条横跨四十余年的艺术生命路径首次被系统而完整地呈现在公众面前。

展览突破了传统意义上的“回顾展”或带有宣传性质的个展模式，而是将“石村块”视为一种仍在不断完善中的视觉语言。这一语言并非一蹴而就，而是在艺术家石村四十多年漫长而复杂的人生经验与创作实践中逐渐显现。展览以此为线索，对“石村块初始语言”所指向的核心命题“无时间意识”（No-Time Consciousness）进行了具体的呈现与总结。

策展过程的挑战

在策划这一展览之初，策展团队便清晰地意识到：他们并不打算为艺术家做一场横向铺陈的“四十年回顾展”。相反，这次展览的目标，是呈现一位艺术家如何在长达四十余年的人生与创作历程中，逐渐形成一种独特的视觉语言——石村块。这一语言并非风格演变的结果，而是在充满挑战、峰回路转的人生道路中，几乎耗费其一生经验，才得以显现的初始语言。

Memor Museum 坐落于一栋拥有一百五十多年历史的地标建筑之中，整座建筑共五层，由多个大小不一、结构各异的房间组成。如何在这样一座老建筑中成功呈现一场当代艺术展，对策展团队而言，本身就是一道难题。展览不仅要尊重建筑的历史与结构，更必须在空间与观念上出人意料，呈现出一般展览难以企及的层次与完成度。

在最初的策展构想中，团队曾考虑将石村曾引起广泛关注的双面石村块油画装置作品 《One Buck（一美元）》 安置于博物馆大厅。2015年底，艺术家将一美元纸币的正反两面分别绘制为石村块作品，并将两幅画作背对背组合成一件装置艺术。他将纽约市视为一座“无墙美术馆”，携带作品在城市不同地点短暂停留，向公众开放观看。2016年初，《美东侨报》曾对这一行为艺术进行整版报道，中央电视台国际新闻亦对此进行了专题报道。随后，该作品被私人藏家收藏。

如果能够将《One Buck》重新呈现在博物馆现场，势必会引发强烈的公众反响。然而，综合考虑作品的收藏价值、运输与保险的复杂性，以及博物馆大厅在空间与结构上的限制，策展团队最终放弃了这一方案。

如何在有限的空间条件下，将石村的过往经历清晰而有力地呈现给观众，并留下深刻印象，成为策展过程中反复讨论的问题。团队曾设想将一楼打造为一条“时光隧道”，引导观众系统了解石村从20世纪80年代末至90年代初的艺术经历与人生转折。但在实际评估施工难度与空间可行性后，这一构想同样被迫放弃。

整个策展过程充满挑战与反复取舍。最终，策展团队克服重重限制，将展览结构确立为横跨四个楼层的空间叙事，通过作品、影像、文献与现场体验的交织，向观众呈现石村在四十余年的艺术人生中，如何一步步走向并确认自己的初始语言。

这既是一位艺术家独特而不可复制的生命道路，也是策展团队在不断调整与尝试中，通过一系列出其不意却彼此呼应的策展策略，试图呈现“石村块”这一视觉语言，如何在艺术家非同寻常的人生轨迹中逐渐显现的过程。

四层空间，一条艺术生命的展开

本次展览在博物馆百年老建筑的四个楼层同时展开。一层集中呈现石村自20世纪80年代后期至90年代初期的十余件早期作品，以及信件、杂志、报纸、影像等珍贵历史文献。展览由此勾勒出一位年轻艺术家在80年代末从当代艺术相对闭塞的南京，初入纽约艺术前沿东村时所受到的巨大震撼；继而转向台湾，”意外”成为摇滚明星与“新新人类”代言人，并担任 MTV 亚洲部 主持人的独特人生阶段。

在一楼展区，影像播放同样构成了这一时期的重要叙事线索。现场循环播放了石村在台湾拍摄的一系列广告作品，包括以美国电影命名的《纽约故事》、《我心狂野》、《发条橘子》及《机械生活》等影像，记录了当年这位年轻艺术家在纽约生活与工作的真实状态，以及他当时对艺术与人生的理解与思考。

同时，影像中也呈现了他担任美国音乐电视台 MTV 亚洲部主持人期间拍摄的广告片段，以及他在台湾发行的第一张重金属与摇滚乐专辑《摇滚街头一条汉子》 的音乐录像。这些影像材料共同勾勒出石村早期跨越视觉艺术、影像创作与音乐实践的多重身份，也呈现出他在纽约与台湾之间往返、在艺术探索与现实生活之间不断切换的生命状态。

这一层的影像与作品使观众得以理解石村的艺术实践从一开始便并非局限于单一媒介，而是在绘画、影像、音乐与大众文化之间同时展开，这种多重经验，也为后来“石村块”语言中对节奏、能量与时间感的敏锐把握，奠定了重要基础。

二层展示了几幅石村块作品，以及艺术家亲手制作的八弦和十弦电吉他，凸显其高度娴熟的手工能力。一幅巨大的石村块作品《故宫》陈列于大厅中央，正反两面同时呈现，使观众得以近距离观看其亲手制作的画框结构，将注意力引向作品背后的“制作”本身。

在二楼图书馆区域，策展团队特别设置了多组循环播放的视频内容，构成展览中一条清晰而安静的影像叙事线索。电视屏幕上依次呈现了石村在不同时期、不同媒体中的公开访谈与纪录影像，包括上海财经电视台纪录片《人民币》第一集中对“人民币艺术家”石村的专题采访、美国中文电视台的访谈，中央电视台的新闻报道，以及电影人刘纯羽为本次展览特别制作了一部约七分钟的影像作品。当这些来自不同时期的影像放置在一起时，系统性地梳理了石村在创作石村块初期所经历的探索过程，呈现了他当时的创作思考、内在困惑，以及来自不同旁观者的评价与理解。

这一组影像并非简单的资料陈列，而是在绘画作品之外，为观众提供了一条“被时代观看”的路径：石村如何在不同历史节点、不同文化与媒介语境中被记录、被命名、被讨论。它使“石村块”这一视觉语言的生成过程，不仅停留在艺术家的自述之中，也获得了来自现实世界的多重见证。

同时，图书馆的桌面上散放着记录石村创作历程的书籍、杂志与报纸等文献，供观众在观看影像的同时自由翻阅，使人得以在阅读与观看之间，亲身感受到扑面而来的时代气息。

三层的“石村无时间意识工作室”在展览初段暂时封闭，为开幕式当晚的开放保留悬念。

一场超出预期的私密开幕

这是一场原本仅限50位嘉宾的私邀开幕式，然而当晚实际到场人数超过60人。许多来宾不到五点就开始到场，率先在各个楼层开始参观。

不到六点，三楼放映厅已座无虚席，甚至有不少来宾只能站在门口，现场气氛却异常专注而投入。

开幕由主要策展人 Sonia Hu 用英文主持。她首先邀请来宾落座，随后播放了她制作拍摄的15分钟英文纪录短片 《From Stone to Stone》。影片回溯了石村第一次在纽约的Jason McCoy 画廊看到 Jackson Pollock 1930年代雕塑《Stone》的震撼瞬间，以及随后，他决定以同名主题创作自己那幅巨大《Stone》作品的前因后果。

当画面中，石村和好友Zak抬着那幅巨大的《Stone》作品穿行于纽约街头时，放映厅里不时响起会心的微笑与低声感叹，那种真实而略带荒诞的力量，让不少纽约当地观众产生了强烈共鸣，仿佛置身一场电影首映。

从影像到人生：艺术家首次“看见自己”

影片结束后，Sonia Hu 简要介绍了影片的拍摄过程，并分享了影片在国际影展上的成果：《From Stone to Stone》已入围 17个国际电影节，并获得 3项奖项。现场随即响起热烈掌声，向艺术家与创作团队致意。

随后，石村首次用英文登台发言。他并未展开学术论述，而是以极其真诚坦率的方式，回顾了自己四十多年的艺术道路。他坦言，这次展览的系统梳理，让他第一次真正“看见”了自己的整体人生与创作轨迹“我甚至不敢相信，这条路已经走了么久。直到今天，我才慢慢理解了我自己。”

这番话，让现场格外安静。石村感谢 Memor Museum的创始馆长Willa Ao对艺术家的爱护，以及慧眼识珠的精神境界，因为没有Willa的理解和支持，这个展览是不可能举行的。

博物馆的使命，与一座城市的文化责任

紧接着，创始馆长Willa Ao应邀发言，她讲述了 Memor Museum 的创立背景、现实挑战与未来愿景，并特别提到：作为Memor Museum 是纽约大都会历史保护区内唯一的亚洲主题博物馆，所有的展览都是为了亚洲艺术发展而贡献力量。她首先感谢了Memor Circle 的核心成员对博物馆的大力支持和贡献，并呼吁来宾不仅作为观众，更作为文化共同体的一员，为这座博物馆的长期发展添砖加瓦，贡献力量。

艺术在现场发生：无时间意识工作室开放

致辞结束后，酒水与轻食随即供应，现场气氛逐渐转为轻松而热烈。与此同时，三楼的 “石村无时间意识艺术工作室” 正式对来宾开放。

关于这一工作室作为展览的延伸项目，主要策展人 Sonia Hu 也在开幕式上做了简短介绍。她表示，在整个展览期间，工作室将以预约制形式，定期举办由艺术家 Stone Chun Shi 亲自参与的石村块绘画实验。

这一空间并非教学课堂，而是一种艺术实践与意识体验并行的实验场域。参与者将在高度专注的绘画过程中，亲身感受时间感逐渐减弱、意识进入流动状态的过程，从而对“无时间意识”形成直接而身体性的理解。正因如此，所有活动均采用小规模预约制进行，以确保体验的完整性与专注度。

这是一次极为难得的机会。石村长期处于高度封闭的个人创作状态，大部分时间都在自己的工作室中进行艺术实践，极少对外讲述或示范其创作方式。这样的实验课程，仅在展览期间开放，属于艺术家在特定阶段、特定空间中，对公众的有限分享。

参与者将与艺术家共同坐下，在同一空间中，听他讲述并示范石村块绘画的实践方式，在心流音乐的环境中，亲身体验这一艺术语言如何通过重复、节奏与专注逐步展开。

石村愿意进行这样的分享，源于一种极为个人的动机。在长期的创作过程中，他亲身经历了石村块艺术实践如何帮助自己沉静下来，走出焦虑、重新建立内在秩序。这种“治愈”，是一种通过艺术实践产生的意识变化。基于这样的体验，他选择在展览期间，向少数参与者开放这一实践方式，希望它也能为他人提供片刻的安静与停留。

Sonia强调说，这不是一项常态化课程，也并非长期开放项目，而是基于艺术家个人意愿、时间与精力的限时实践分享。

在通往三楼工作室的入口处，策展团队特别设置了一段循环播放的视频，完整呈现石村创作石村块的全过程，包括调色、铺色、画块节奏以及对画面整体能量的控制方式。

不少来宾表示，在排队等候进入工作室的过程中，通过观看这段视频，第一次清晰地理解了石村块的具体创作逻辑与操作方式。当他们随后亲自走入工作室、拿起画笔时，已不再是“面对一幅抽象作品的观众”，而是对艺术家如何在高度专注中完成这些色块有了明确感知与心理准备。

这一视频的设置，使等待本身成为体验的一部分，也让“无时间意识”的进入，并非突然而至，而是在观看、理解与实践之间，逐步发生。

当晚由于到场人数众多，观众需排队进入工作室。石村在现场讲解并示范其绘画方式：色块如何在高度专注中自然生成。几乎每一位进入工作室的来宾，都跃跃欲试，想亲自上手体验这种介于绘画、冥想与意识实验之间的创作。

很多来宾表示，这些色块在视觉上看似简单，但亲自动手画时才发现，要把这些块画得像石村演示的那样光滑细腻，格式准确，需要很大的耐心和技术。正是在这种亲身体验中，他们对艺术家长期创作所经历的艰难产生了由衷敬意，也对“无时间意识”获得了直观的理解。

空间中的惊喜：绘画、影像与城市的共振

除了三楼的“艺术家无时间意识工作室”，展览还为来宾设置了数个出人意料的空间体验。

首先映入眼帘的，是博物馆一层大厅被整体封闭后所形成的两个方形空间。在这一几乎完全去除干扰的环境中，四壁之上仅悬挂着一幅石村块作品——《Stone》。围绕四周，短纪录片 《From Stone to Stone》 正在循环播放，空间氛围如同一座微型放映厅。巨大的影像画面投射在墙面与作品之上，不同镜头所形成的场景与色块在画布表面叠合，生成斑驳流动的光影效果，营造出高度沉浸的现场感。

置身其中，来宾能够直观地感受到绘画与影像相互作用所产生的独特魅力。这一空间原本是博物馆投入最大的技术展示区域，配备有 12K 裸眼 3D 系统，曾循环播放如“三星堆与古蜀文明”等重要文物展览内容，营造出融合视觉与听觉的沉浸式体验。本次展览中，影片刻意取消了声音，只保留影像本身，使光影在封闭空间中环绕流动，形成一种近乎“无声却充满张力”的现场感。

策展团队希望，在这一空间中，绘画与影像不再作为彼此的注解，而是共同构成一个能量场，强化并指向石村块初始语言的生成起点。这不只是“一件作品加一部电影”，而是一次关于语言如何诞生的双重显现。

四楼：城市、历史与视觉语言的融合

四楼空间所营造的光影关系，同样令来宾印象深刻。当人们陆续登上这一层时，几乎不约而同地发出惊叹。整层落地玻璃窗外，夜幕下的曼哈顿上东区老建筑群清晰可见，而悬挂于室内的六幅作品在玻璃上的倒影，与城市夜景彼此叠合，形成一个既真实又梦幻的空间状态。

在这里，文森特·梵高 的《星空》与 葛饰北斋 的《神奈川冲浪里》不再作为彼此分离的艺术史名作出现，而是作为人类视觉经验中最广泛被共享的两个坐标被重新理解。

今天，这两件作品分别收藏于纽约两座重要博物馆——《星空》位于 Museum of Modern Art，《神奈川冲浪里》收藏于 The Metropolitan Museum of Art，而这两座博物馆距离 Memor Museum 仅数分钟步行路程。这种地理上的邻近并非偶然，而使纽约在此成为一个真实而具体的文化交汇点：欧洲现代主义与日本古典视觉体系，在同一座城市中并置存在，文化记忆不再只是抽象概念，而成为可以被身体感知的空间经验。

石村在这一层呈现的作品，并非对这些经典图像的再现或致敬，而是对其进行吸纳、重组与转译。通过石村块这一成熟而自洽的视觉系统，《星空》中旋涡般的宇宙动势，《神奈川冲浪里》中原初而巨大的自然力量，被重构为统一的节奏、色彩与能量场。当它们与中国古代山水传统中的《千里江山图》，以及龙门石窟所承载的时间密度并置时，这些作品既不构成文化对照，也不形成图像拼贴，而是生成一种融合状态。

在这里，并非不同文明被拿来比较，而是一种已经完成的视觉语言，展示出当历史、地域与意识不再彼此分离时，它所能承载的广度与宽度。

早期作品带来的震撼

展览中最出乎意料的部分，来自一楼呈现的石村早期作品。这些作品与一楼空间本身所具有的多层镜面结构相互作用，形成了难得一见的视觉效果。作品的色彩在镜面中不断反射、延展，使观者仿佛置身于一座由色块构成的迷宫之中，现实与倒影彼此交叠，呈现出一种近似“镜花水月”的迷人状态。

这种视觉经验并非刻意制造的效果，而是在作品与建筑条件自然叠合中生成。它在无形中为石村的早期人生与艺术道路蒙上了一层朦胧而真实的迷惑感——一种尚未被命名、尚未被语言固定的探索状态。观众在其中感受到的，并非明确的风格指向，而是一段正在形成中的艺术意识，以及那种在不确定中不断前行的生命经验。

石村多年的重要藏家刘小宁当晚直言震撼。他收藏了石村块作品 12件以上，却从未见过这些早期绘画。

“我只见过石村块作品，但看到这些早期作品，才意识到他的艺术里程原来如此漫长。”

多位艺术家在现场也表达了类似感受，他们第一次看到石村的早期创作，普遍认为其前卫程度与完成度极高。有人感叹：“如果他当年持续画下去，今天的名声恐怕难以想象。”

也有人好奇地追问：为什么他会在那个阶段突然停笔，转而经历漫长的转向，最终走向今天看似“天地之别”的石村块语言？

而答案，或许正隐藏在这场展览所呈现的渐进、断裂、再生成的整体路径之中。

这场展览的策划与构思，对博物馆馆长 Willa Ao、主要策展人 Sonia Hu，以及艺术家 Stone Chun Shi 而言，并非一次单纯的合作，而是一种在精神层面上殊途同归的显化。

三个人的人生路径各不相同，却呈现出高度相似的内在选择：他们都曾在各自领域取得过清晰可见的阶段性成就，却又在关键时刻选择放下既有成果，主动离开舒适区，不断重启自己的人生方向。正是在这种反复“归零—再出发”的过程中，他们逐渐形成了彼此之间的精神理解与认同。

从传统意义上的成功路径来看，这样的选择无疑是少见、甚至显得不合常规的；但从更高的精神维度来看，这些看似分离的人生道路，最终在此刻汇合。展览因此不只是艺术家个人语言的显现，也是一种团队能量的呈现——当个人的选择不再以结果为导向，而以真实与内在一致性为尺度时，彼此之间自然会形成共振与合一。

这一展览的完成，正是这种共振状态的外在呈现：三条各自独立的人生路径，在此交汇为一个整体的精神结构，使展览本身成为一种正在发生的能量场。

一个夜晚的结束，一条意识通道的开启

原计划三小时的开幕式，最终持续至晚上十点多钟，许多来宾仍依依不舍。前 Museum of Modern Art 策展人Anne Morra 握着 Sonia Hu 的手表示感谢，称这是一场“充满惊喜、令人受益匪浅”的展览，并指出她通过此次展览充分感受到 Memor Museum 的学术份量，期待未来在艺术教育项目上展开合作。

其他来宾也纷纷向策展团队表示祝贺，认为这场别出心裁的开幕式带来了真实而愉悦的体验。

整场开幕式在热烈、真诚而充满惊喜的氛围中落下帷幕。对许多观众而言，这不仅是一次观看作品的经历，更是一次重新理解艺术如何诞生的现场体验。

《石村块--无时间意识的初始语言》并未试图给出结论，它只是打开了一条意识的通道，让时间暂时隐身，让语言回到初始，让艺术重新发生。

「最後的夢露」石村個展

2025年8月在紐約Memor Museum博物館啓幕

Jason McCoy 畫廊

紐約東57街41號富勒大廈 | 41 E 57th St, New York, NY 10022 | May 27 - June 5, 2024

Light and Love Charity Concert

Date: January 13, 2024 (Saturday) from 3:00 PM to 5:00 PM

Location: Princeton Enmei to Mei Church

 紐約蘇荷區哈福德街19號

石村艺术展在曼哈顿苏荷区开展

美国华人艺术家石村的画展于6月30日在纽约曼哈顿苏荷区Stonecube Art 画廊开展，为期两月。 这是继10年前石村在切尔西地区松画廊举办的《恭喜发财展》之后的又一个个展。

石村于2010年独创的艺术语言“石村块”是一块块用中国书法的方式画出来的方块，一种没有字体的书法。通过西方传统布上油画的方式将艺术家内在想法、精神面貌以及个性通过这种极具挑战性的油画方式展现出来。这种前无古人的创作方式画出来的作品，被石村称之为“石村块”。

“石村块”从绘画方式和技法上极具挑战性，因此，需要音乐和专注的带动进入绘画的过程，一旦进入，就可以超越时空的限制，达到意识的最优体验，这就是心理学家米哈里•齐克森“精神熵”，即心流的概念。要想意识变得有序，那么急需要源源不断的能量来进行管理。而这些被管理的井井有序的意识，又会反过来帮助你管理意识。意识与管理意识相互融合，意识塑造了管理意识，也被管理意识塑造。心流是治愈混乱意识的有序意识。“石村块”艺术是有序意识的最优体验，它让观众艺术的环境下，从世界带来的焦躁中瞬间进入意识的梳理过程，尘世的一切变得无影无形，从而今入“降熵”的过程。艺术家沉醉于自己构建的心流世界中，通过有序意识创造出”石村块”，它又反过来塑造了艺术家本身的精神意识。

“石村块”是心流的外在艺术显化。艺术家在心流中创作，用上万块的颜色书法呈现出心中想象出的人物和景色的完美。

此次展览由策展人胡桃和杨敏联合策展，从6月30日开幕，到8月30日底结束。前来参展的艺术家和艺术爱好者一一留下了自己对展览的看法。

作家兼艺术家顾月华： 一个画家要面出自己的风格，是要蜕去几层皮的。要展示一幅描绘得很真实的画不难，对于我们科班出身的人来说，一张画里有立体层次、有补色余色关系，有准确的形象结构，这都是基本技巧並不难，难的是要扔掉它们，重新创作出自己的风格，这个要有胆识有潜力有足够的想象力。“石村块”是他的特色，我也在摸索自己的风格。

医学博士肖博士： 初识石村块，觉得画没有太多的价值。因为随着 Al的发展，可以轻松地复制名画并打印成块状作品。对不起，是我肤浅了。再识石村块，是在跟石村兄成为无话不谈的兄弟后，开始相信凭借他的天赋和坚持，，他的画一定有独特的价值。更识石村块，则是在自己慢慢培养起了艺术欣赏能力，意识到石村兄的芝木成就不在于题材的创新，而在于他独特的创作手法。他创造出独一无二的石村块绘画语言，通过对每一块色彩和形状的精淮掌握，展现出无法复制的独特魅力。

作家诗人鲁鸣： 石村的画特别有收藏价值，挂在墙上有一种呼之欲出的感觉，让你眼前一亮。石村用黑色作为梦露的背景，超越了想象。背景黑色的选择，突出了梦露的形象，达到了强烈的反差效果，更具有艺术性。

艺术老师天天： 世界上极少数的人使用灵魂来画画的。石村就是这样，他的每一块小方块都是一颗小灵魂，然后在组成一张大画，一个大的灵魂。

小画艺术家TengTeng： 石老师的画现场看非常震撼！我已经在朋友圈看过很多次他的画，我觉得现场的感官完全不一样。他的那种材质，厚度，还有色彩的明艳，即使是灰调子的那种有点沉重的感觉就很不一眼，是另一个Level（层次）的。

艺术家张俪：我也斗胆说说石村老师的石村块. 我是一位虔诚的佛教徒，但是当我第一眼看到那幅粉白相间的十子架时，心抖了。它的干净、纯粹、细腻、美如少女般的纯洁，已经无声的表达出了信仰是可以看得见的美……简单的一幅十字架画面诉说了宁静、超然、慈悲和爱恋，粉白相间循环着光速之外的神奇：粉的在想象之外的粉，白的在心和灵之内的无……在看到这幅画的瞬间，我已经爱上了基督，感受到信仰的最高境界是相通的。宇宙最美的想象落在了粉白的一横一竖，就似看到了天使，每一个色块就像一颗粉色的星星载着爱和白的十字架纠缠出无尽的量子漂浮在曼妙的宇宙……。

艺术爱好者Daisy：我也是虔诚的佛教徒，看到石村老师这幅画（十字架），就仿佛依稀感受到天堂真实存在…回过神来细看，不禁赞叹，有信仰的感觉真的很美。”石村块”超越了电脑演算的马赛克，每一块都鲜活，有灵魂，所以随着观看者的心情和背景，在各种情况下看到的都不是同一幅，很有观赏意境，很有收藏价值。

热爱艺术的Helen： 艺术家石村是位多才多艺的艺术家，除了画画，他还是Rock band的歌手，被称为“最野的艺术家，走出半身归来仍是少年”。他的作品从近距离观察时呈现出抽象的品质，但从远处观察却毫不费力地转化为照片般逼真的形象。玛丽莲梦露栩栩如生的神秘面容，佛陀的平静面容，梦幻的凡高星空之夜等高品质的作品都很具观赏价值。

艺术家黄玉琳：终于看到了石村老师独特的”石村块”艺术，拥挤的曼哈顿，伏天的炎热，依然挡不住每张巨大的画面，那扑面而来的被严格控制的色彩，很久没有畅聊艺术，放弃了当晚的音乐会，了解到成熟风格的形成，那背后的精彩人生，厚积薄发，辗转反侧，多种坎坷最终汇合成如今的风格.……融会贾通，透过表面的丰富色彩，空问混合，却可以与万物相连，任何题材任何形象，皆可入画。但由我心，艺术创作来不得半点虚伪，画面才是最诚实的。衷心祝愿更多的华裔艺术家在美国，在纽约脚踏实地真正融入世界艺术中心的大熔炉，为这个时代交出一个自己的答卷。

艺术家魏海： 我们活在一个信息时代，为我们提供了浩如烟海的知识，很多人对此茫然无所措，然而艺术家通过自己的眼睛，通过自己的风格，获得诠释信息时代的通道。这是他的方法，可以理解成个人风格，通过一个人的眼睛看世界，无论是什么，通过艺术家的点睛之笔，神来之笔，成为个人风格的展示。这种像素般的一格一格的画法，在我看来，并不是简单的重复，而是他感受到的颜色的丰富表达。 这种表达的自由，正是艺术家存在的价值。我觉得非常当代，因为当代艺术已经跨越了具象和抽象的束缚。我们无法用艺术史上现成的定格的方式来限制他，他所做的是正是或者说的，正在进行时探索内容，这才是真正的价值。

艺术爱好者刘辉： 画家石村的作品，是用一块块被他称为“石村块”的油彩厚方块组成，每一幅画有千万块，每一块都是一笔触成，大小厚度，光泽亮度都极力用心讲究，像毛笔在宣纸上一字字地写，石村则一块块地在布上写他的油彩块，色的调度和过度如此惊人，我惊叹现代艺术竟有如此的表现方式！

石村在苏荷的画展仅十几幅：人民币，紫禁城、十字架，梦露、佛像、梵高的星空，百花不落地天球瓶，龙………，石村用块块拼成了他眼睛里看到的世界，是我们在物质世界中最熟悉的图腾和图像，当走近看时，却进入了一片虚无的内在世界。这个情景令我立刻连想到了西班牙达利家的林肯画像，只有当你站在远处才能看清，原来那一片马赛克是林肯的肖像画。

石村用一块块油彩，搭建出物质到精神的桥梁，桥梁的尽头就是精神世界的存在，灵性的主宰。我们明明看到了这个形象，而贴近这个形象，就成了浩如烟海的、若有若无的无限色彩块块。那张百元大钞，当人们无法摆脱地走近了它，无限放大了它的时候，也就看不清它了，人与人之间的美好便消失了。

我最喜欢的是那幅微笑的佛像。一进画展，我的眼球就被石村的佛像油画吸住了！这方块组成的佛像，分明是一座雕像，色彩、层次，颜容……即刻可认辨出画家精湛的技艺和高度的精神性。安详与智慧，庄严与凝定，生意盎然地在流动。佛像艺术是用一个具体形象托出的一个井然明朗的精神世界，石村以他的微妙画技造型，印证了一个视觉之真的美，佛像的微笑坚定自信，安详幸福，愉悦流露，眸间唇角，带着微笑，虽不可测度地在沉思，但从表情上可看出静穆与内在的和谐。我感到我的视能与知性同时得到了满足，好像漂浮的心找到了归处。感谢石村的佛像，即模糊又清晰，平面中立起，你沉厚的文化积淀和扎实的绘画功底，给人一种清新明丽的时代气息，古典意蕴和现代气息浑然一体，正与守正创新的主旋律同频相应。

艺术爱好者庭柯： 石村块—现代绘画语！看着每幅画都用一小块一小块近万块的颜料组成的画，实在惊叹到画家的执着与功夫。其实最佩服的是画家对色彩的视觉敏感度到下笔的准确判断力，创造出有个性的现代绘画语言。据说每一块颜色都要自己调制成的，而且在创作期间心身似乎进入一个真空状态，专心致志，不受打扰。赏石村块的妙处：远近明暗各不同。远看是幅惟妙惟肖的肖像或名画；近看放大了，一块块颜料各就各位，尽其职。那幅佛像看似不多彩，但头顶上的光束和微垂的眼帘，面对观众有场心和心的对话。《千里江山图》中的金色是石村大师自己调制的如果仔细看去一条瀑布镶嵌的山崖之间，成为点睛之笔。最近在大都会有梵高展，恰石村块也有一幅梵高的《星空》，据说艺术家有心灵感应，石村块平息了梵高舞动的线条。有位好友特别喜爱《百花不落地天球瓶》，她说瓶上的百花和背景深浅不同的灰色显得非常立体，栩栩如生，看了又看实在喜欢。《梦露》或许是人见人爱的尤物，我们在展厅中瞧见路过的行人会驻足透过大玻璃窗看上她几眼。

我去展厅非常好奇看石村块的厚度，和油彩干燥的时间，谁知学问一大堆，颜料一定出自无化学成分的品牌能保存；落笔起笔都有分寸讲究，才能保持一致的效果。一幅画起码要三个月才能干透，可以想象每一幅画的重量，艺术家除了要有艺术天分还会干力气活儿。

艺术爱好者Jenny Zhang：现场看画感觉特别震撼。原来我看过很多照片和视频，以为每一块很大，看到了才知道每一块只有我想像的四分之一大，这一幅画得要多少块，太震撼了。我觉得现场和照片感觉很不一样，因为你可以看到3D的效果，还有色彩块对光的一个反射，可以看到色韵的变化，多少幸苦，多少专注，多少时间搭进去，非常不容易，出来的效果是一种精神的塑造。我以前是学太极拳的，觉得要把气运到笔触里才能出来这种效果。看到作品我对他的创作过程有了一个非常透彻的理解，有了一个比较形象的具体感受。

艺术爱好者董群：自从我看了石老师的画，我发现身上的艺术细胞全部被炸出来了。石老师的画与一般的油画完全不一样，这么多块组在一起，不用说画画了，只把它填满就够费力气的了。看到他的一幅画，有深浅的搭配，多不容易，我觉得他是用生命在画画。我以前对画不在意，觉得都是平平常常的，看到石老师的作品，我忽然受到启发，想画画了。

美术学博士时向东： 石村的画不适合看照片。看他的画面，我们学画画的可以感受到他调制颜色的过程非常不容易。我很喜欢那种色彩的变化，那种不干的奶油般的质感，这就是油画的特点。尤其《故宫》那幅作品，看上去有些艳，但色彩变化特别好。佛像和十字架同样如此，你感觉十字架的颜色并不复杂，但看原作的时候，看细节变化的时候，会发现这个过度很厉害。虽然，这是技巧的内容，但我们透过技巧看画作背后的内涵时，你才发现那个技巧是为了表现背后艺术家的感受，艺术家对于这种图像在脑海中深刻的印象。当它传递给观众时，带着观众进入艺术家的思维过程里面，这就是艺术很重要的一种社会作用。 石村的黑色里面有粉色的极简油画让人联想到音乐，有高低调的节奏。看画的时候，只有放松自我意识，慢慢走进画中，才能感受到内在的很多东西。 石村块里面有很多秘密，有很多故事可以讲。

艺术老师Maggie Luo：石村是我多年的朋友，也是我非常欣赏敬佩的艺术家。他的作品体现了他坚韧和坚持，有他自己非常不一般的视觉。我看到这张画《故宫》，就觉得那种能量，那种火，那种热，那种说不出来的感觉，马上把你整个人就完爆了。 我是一个很保守的人，但是来到这里，我就觉得被震了很多下。那种气氛从石村块里里头好像有一种光放射出来。我是在整个氛围中被包围着，就是那种出春风华雨，不知不觉在那个环境中被它感染。

前画廊经营者Elizabeth Wu： 应邀参观画展，欣赏艺术家石村的画作。作品中的每一笔都有着光与色彩的变化，因而形成无可复制的经典及强烈的个人符号。惊艳之余更感觉到石村笔下作品兼具非凡的能量与实力。品质推荐，值得收藏。

石村作品藏家傅俊泉父子：我觉得石老师的画比MOMA美术馆里的一些画都好。梦露画像的色调和颜色能够调得这么好，这么自然，过渡的这么好，绝对是大师！

石村作品藏家Alice Huang： 石老师的画是他独创的，世界上独一无二。别人画画一笔一笔画，石老师是一块一块垒。这画费时费力特费颜料，别人临摹不了。石老师的画不用打光，在微弱的灯光下就能在不同角度看到不同颜色，自带光效。非常好看！别人一天能画完的画，石老师要几个月才能完成。很多人都以能拥有一幅世界上独一无二的”石村块”为荣，我也有一幅梦露画。

石村作品藏家Susan Tan： 细看梦露作品上的每一笔都具有功力，每一格都那么厚薄均匀。梦露脸上的的那颗美人痣真是精彩，画龙点睛之笔。 有幸买到石老师呕心沥血的力作佛像，是我跟石老师的一次结缘。

此次展览共展出了石村仅有的13幅石村块作品。 这么多年来，石村很少参展，主要是因为他的作品需要慢功和精工才能出细活，每年只能创作出几幅画作。一旦创作完毕，很多画作就立即被收藏。因此，他自己手上能参展的作品很少。展览上，每次观众翻阅着石村的画册，都会问上面的其他作品，比如被工商银行纽约总部收购的《清明上河图》，比如被私人收藏的《一美元》和《婺源》等怎么没有看到，待到他们知道其中原委，更加震惊石村作品创作过程的难度和慢度。

关于石村的画展，联合策展人杨敏评论道： 石老师的作品看实物跟看平面完全不一样，你看到实物，感受到的是能量，是气场，你真的无法想象石老师画的这么小的一个方块儿是如何融汇在整个画面当中，把画面的灵魂展示出来，这就像一个Magic（奇迹）。

石村的作品不仅是精湛的艺术创作，同时也是在三维的时空下，用他内心光与爱的语言“石村块儿”，所书写的“秩序”，让每一幅作品成为了光的镜子，照给我们一个更加宏伟的人生画卷：在人生的路途中，当你不得已停滞，拐弯甚至后退时，请明白，那是宇宙的恩赐，是他要把一幅更加完整的生命画卷，呈现于你的眼前。

此次展览将于8月30日结束，在纽约对艺术感兴趣的朋友可以前去观看展，亲眼看看”石村块”的独一无二所带来的震撼效果。画廊地址：纽约曼哈顿苏荷区19 Howard Street。